CORPORACION UNIFICADA NACIONAL DE EDUCACION SUPERIOR.

CAMILO ANDRES RINCON PRIETO

ENTREGADO A:

LUIS ENRIQUE.

INFORMATICA Y CONVERGENCIA TECNOLOGICA.

LA ILUSTRACION COMO ARTE.
PROYECTO.

BOGOTA D. C.2010.



OBJETIVOS:1.) Realizar o construir una microempresa de ilustracion, en la cual vamos a crear logos para bandas, avisos en la red para siteos web de bandas de metal y por ultimo crear decoraciones en forma de ilustracion para bares metaleros.

2.) Poder mostrar al publico la gran importancia de la ilustración y lo que puede producir.
INTRODUCCION.LA ILUSTRACION.Dentro de toda la idea de “Progreso” que el fenómeno de la Ilustración llevaba consigo estaba como condicionante básico el concepto de regeneración social por vía cultural, dentro de la cual a su vez la arquitectura y las artes plásticas estaban llamadas a jugar un papel fundamental en tanto en cuanto que vehículos en los que se podían asentar las bases del “Buen Gusto”, en contraposición a la depravación estética que para los ilustrados suponía el barroco castizo, nacional, identificado con los Churriguera y Pedro de Ribera, y bautizado con el calificativo de “churrigueresco”. En la furibunda campaña emprendida contra esta manifestación que llenaba las calles y los interiores de los templos, con auténtica obsesión por limpiar, barrer, la excrecencia del ornamento barroco se libraba una batalla que iba más allá de la mera confrontación estética para alcanzar una finalidad de renovación mental que a su vez transformara el comportamiento social y un impulso económico con las modificaciones que en la técnica y organización del trabajo supondría las pautas de ese nuevo arte en el que se depositaban muchas esperanzas de “desterrar las tinieblas del mal gusto”, como comentaba el abate Ponz en su Viage de España a propósito de una visita a la catedral de Jaén.Los instrumentos para realizar ese objetivo eran de varios tipos: conceptuales, institucionales, organizativos, técnicos...Dirigidos, fiel al principio del Despotismo Ilustrado, desde la cúspide del poder, el monarca, y la institución creada ad hoc para esta finalidad: La Academia de Bellas Artes. Un monarca, Carlos III, venido de Nápoles en 1759 en cuyos dominios se habían descubierto las más importantes huellas del mundo antiguo, Herculano, lugar de culto para toda la Ilustración europea, y se había construido una de las mejores residencias modernas del poder absoluta, el Palacio de Caserta. De ambas se sentía responsable y con ellas se puede decir que era un prototipo de rey arquitecto. Con este marchamo es recibido en Madrid, ciudad que será objeto primordial en la consecución de la nueva imagen que se quiere llevar a todos los rincones del pais...”La encontré de ladrillo y la dejé de mármol”, se convertiría en un tópico puesto en su boca por los hombres de la Academia, para aludir a la transformación de la capital de la nación.La Academia de Bellas Artes de San Fernando, aunque creada con anterioridad en 1752, bajo Fernando VI, tomará todo su auge y el papel director de la política cultural de Las Luces con Carlos III. Su misión formativa por medio de sus profesores de arquitectura y de artes plásticas y el control paulatino sobre la actividad artística, en franca confrontación con la vieja organización gremial de las artes entendidas como artes mecánicas, iban a conducir a la reconversión de muchos artistas y artífices, amén de los que se iniciaban, a los principios estéticos allí difundidos y a la condición de académicos como sinónimo de autoridad y de privilegios materiales, como era la equiparación al status social de los hijosdalgos. La institución académica se extendió fuera de Madrid, creándose en diversas capitales de provincia peninsulares y de América: Valencia(1768), Zaragoza(1792), México(1784), Buenos Aires(1799)...Siempre sujetas en su normativa y funcionamiento a la de Madrid.Además de las Academias otros centros vendrían en apoyo de la formación artística: Las Sociedades Económicas de Amigos del País, extendidas por toda la geografía, y en cuyo seno se creará las escuelas de dibujo, tal y como recomendara el ministro Campomanes en su Discurso sobre el fomento de la industria popular (1774). En otras ciudades fueron los Consulados o incluso la iniciativa particular de la nobleza y del clero.La enseñanza del dibujo tiene toda la relevancia en el programa de la Ilustración. “El alma de las Artes”, como se decía de él. Esta apreciación no era nueva, pues es consustancial a todos los clasicismos y la Ilustración, hemos de decirlo, optó abiertamente por el valor universal de lo clásico. El concepto de belleza clásico estriba en la concordancia o proporción entre las partes que forman el todo, el principio de simetría establecido por Vitruvio en su Tratado de Arquitectura. Lo primero será conocer el todo, que se muestra siempre finito, es decir, limitado y por tanto definir los límites es el paso fundamental a la hora de determinar una forma. Esto es lo que hace el dibujo, delinear el conjunto aislándolo de otro conjunto, de otra forma y después acomodar internamente sus parte en proporción. Delinear, delimitar, es un proceso ideal, de abstracción; racional e intelectual en suma. Instrumento idóneo, en consecuencia para la Razón.De un lado, el dibujo venía a satisfacer , o mejor, era el instrumento perfecto para poder plasmar ese “Bello Ideal” perseguido por la teoría estética de la Ilustración y que no podía encontrarse en la simple copia del natural por muy perfecta y sabia que la Naturaleza fuera, sino que precisamente por la suprema perfección de ésta sus reglas permanecen ocultas y hay que abstraerlas, algo que sólo los antiguos, y particularmente los griegos habían sabido hacer. De ahí que la Ilustración abrazara el Neoclasicismo como estilo, no simple vuelta o copia del arte de la Antigüedad, sino de reflexión sobre una belleza que se apoyaba en la Razón, Naturaleza e Historia. De la arquitectura a la pintura, pasando por la escultura y todas las artes decorativas o aplicadas, todas fueron fieles al valor del dibujo puesto al servicio de este principio de belleza ideal, que por ese triple apoyo que llevaba se convierte también en un valor ético de forma indisolubleAunque todas las artes compartan esta fidelidad estilística bajo la Ilustración, con las pertinentes excepciones, la arquitectura tuvo especial relieve sobre las demás. Esto es comprensible por el marcado carácter de utilidad que le caracteriza. Ella va a proporcionar las construcciones necesarias para una sociedad en progreso dando origen a nuevas o renovadas tipologías: Hospitales, Fábricas, Cárceles, Centros de Enseñanza etc... que a su vez serán el escenario de la ciudad, realidad última en la que se desarrolla la vida colectiva y con la que colonizan territorios aún silvestres. Ahí está el fenómeno colonizador de Sierra Morena o la continuidad y modernización de la colonización en América, sin olvidar la importancia de los puertos y ciudades marítimas surgidas al amparo de la Marina (El Ferrol; San Fernando, Cartagena). Un campo en el que arquitectura e ingeniería de dan la mano, una vez más en el común campo del dibujo, que como diseño serializado tendrá asimismo su aplicación a todo tipo de manufactura: Vidrio, cerámica, tapices, mobiliario serán susceptibles de convertirse en productos artísticos industrializados a través de las Reales Fábricas.Será en la arquitectura y en el curso de los cincuenta años de la segunda mitad del siglo XVIII como mejor podrá verse el proceso, primero de ruptura violenta, de limpieza del barroco castizo, sustituido por una arquitectura curiosamente barroca, pero de un barroco “clasicista”, romano, propiciado por arquitectos italianos y españoles. Una segunda etapa de descubrimiento de las mejores páginas de la historia de la arquitectura española: El Escorial, pero también de todo tipo de antigüedades, clásicas y medievales, para finalmente llegar a una arquitectura plenamente racionalista, equiparable en los casos más conspicuos a la más innovadora arquitectura francesa surgida en torno a la Revolución, a la par que un pensamiento teórico acerca de la arquitectura y de la ciudad.Evidentemente los resultados no fueron parejos a los ideales y a la planificación. La resistencia a lo barroco fue más fuerte de lo que se puede creer, quizás en palmaria demostración de la urgencia de modernización que acusaban los ilustrados. Tampoco faltó algún artista excepcional, como Goya, que desde su singularidad crítica superó las normas codificadas de un “Neoclasicismo”, que nunca fue tan “frío” y elemental como su apariencia puede suponer, sino en todo caso con la “flema” externa que sigue a un fuego intenso previo, como gustaba referir Winckelman, el mayor teórico de lo Antiguo en el s. XVIII, acerca del proceso creador en el artista.




ARTISTAS QUE DAN GRAN IMPORTANCIA A MI PROYECTO.

GIGER.
HR Giger es reconocido como uno de los artistas más importante del mundo del realismo fantástico. Born in 1940 to a chemist's family in Chur, Switzerland, he moved in 1962 to Zurich, where he studied architecture and industrial design at the School of Applied Arts. Nacido en 1940 a una farmacia de la familia en Chur, Suiza, se trasladó en 1962 a Zúrich, donde estudió arquitectura y diseño industrial en la Escuela de Artes Aplicadas. By 1964 he was producing his first artworks, mostly ink drawings and oil paintings, resulting in his first solo exhibition in 1966, followed by the publication and world-wide distribution of his first poster edition in 1969. En 1964 se estaba produciendo su primeros trabajos, en su mayoría dibujos a tinta y pinturas al óleo, dando como resultado su primera exposición individual en 1966, seguido por la publicación y distribución en todo el mundo de su primer cartel en la edición de 1969. Shortly after, he discovered the airbrush and, along with it, his own unique freehand painting style, leading to the creation of many of his most well known works, the surrealistic Biomechanical dreamscapes, which formed the cornerstone of his fame. Poco después, descubrió el aerógrafo y, con ella, su propio estilo de pintura a mano alzada única, lo que lleva a la creación de muchas de sus obras más conocidas, los paisajes oníricos y surrealistas biomecánicas, que constituye la piedra angular de su fama. To date, 20 books have been published about Giger's art. Hasta la fecha, 20 libros se han publicado acerca del arte de Giger. Giger's third and most famous book, Necronomicon, published in 1977, served as the visual inspiration for director Ridley Scott's film Alien, Giger's first film assignment, which earned him the 1980 Oscar for the Best Achievement in Visual Effects for his designs of the film's title character and the stages of its lifecycle, plus the film's the otherworldly environments. famoso libro tercero y la mayoría Giger, Necronomicon, publicado en 1977, sirvió de inspiración visual para el director Scott la película de Ridley Alien, el cine primera asignación de Giger, que le valió el Oscar 1980 al Mejor Logro en Efectos Visuales para sus diseños de la película de título de la carácter y las etapas de su ciclo de vida, además de la película el ambiente de otro mundo. Giger's other film works include Poltergeist II, Alien3 and Species. Otras películas en las obras de Giger incluyen Poltergeist II, Alien3 y especies. Giger's album covers for Debbie Harry and the band ELP were voted among the 100 best in music history in a survey of rock journalists. El álbum abarca Giger para Debbie Harry y la banda ELP fueron votados entre las 100 mejores de la música la historia en una encuesta de los periodistas de rock. Throughout his career, Giger also worked in sculpture and, in 1988, created his first total environment, the Tokyo Giger Bar, and in 1992 a second Giger Bar in Chur. A lo largo de su carrera, Giger trabajó también en la escultura y, en 1988, creó su primer ambiente total, el Tokio Giger Bar, y en 1992 una segunda barra de Giger en Chur. The HR Giger Museum, inaugurated in the summer of 1998 in the Château St. Germain, celebrates its 10 Anniversary this summer. El HR Giger Museum, inaugurado en el verano de 1998 en el Château St. Germain, celebra su 10 aniversario este verano. The four-level building complex in the historic, medieval walled city of Gruyères, Switzerland is the permanent home to many of the artist's most prominent works. El nivel del edificio complejo y cuatro en el medieval amurallada ciudad histórica de Gruyères, Suiza es el hogar permanente para muchos de los más importantes obras del artista es el. It houses the largest collection of the artist's paintings, sculptures, furnitures and film designs, dating from the early 1960's until the present day. Alberga la mayor colección de pinturas del artista, esculturas, muebles y diseños de la película, que data de principios de la década de 1960 hasta la actualidad. Displayed on the museum's top floor is Giger's own private collection of more than 600 works by artists such as Salvador Dali, Ernst Fuchs, Dado, Bruno Weber, Günther Brus, Claude Sandoz, François Burland, Friedrich Kuhn, Joe Coleman, Sibylle Ruppert, Andre Lassen, among many others. Aparece en la planta alta del museo está colección privada Giger propia de más de 600 obras de artistas como Salvador Dalí, Ernst Fuchs, Dado, Weber Bruno, Brus Günther, Sandoz Claude, Burland François, Kuhn Friedrich, Coleman Joe, Sibylle Ruppert, André Lassen, entre muchos otros. The HR Giger Museum Bar, located in the adjoining wing of the museum complex, opened on April 12, 2003. El Museo HR Giger Bar, ubicado en el ala contigua del complejo del museo, inaugurado el 12 de abril de 2003. Giger's designs for the bar emphasizes the pre-existing Gothic architecture of the 400 year old space. Diseños de Giger para el bar hace hincapié en la actual arquitectura gótica-pre del año 400 el espacio de edad. The giant skeletal arches covering the vaulted ceiling, together with the bar's fantastic stony furniture, evoke the building's original medieval character and give the space a church-like feeling. El esqueleto arcos gigantes que cubren el techo abovedado, junto con fantásticos muebles de la barra de piedra de la, evocan la construcción original de carácter medieval y les comunicará el espacio una sensación similar a la iglesia. Since 1999, in an effort to help broaden the appreciation of his museum visitors for other Fantastic and Surrealist artists, Giger has utilized a three room exhibition space as The HR Giger Museum Gallery where, on a continuing basis, he features the works of other masters in this genre. Desde 1999, en un esfuerzo por ayudar a ampliar el reconocimiento de su museo para los visitantes de otros artistas surrealistas y fantásticos, Giger ha utilizado una sala de exposiciones como el espacio de tres HR Giger Galería del Museo, donde, sobre una base continua, que cuenta con las obras de otros maestros en este género. Artists already shown have been Wessi, Prof. Ernst Fuchs, Hans Bellmer, Fred Knecht, Stelio Diamantopoulos, Martin Schwarz, Claude Sandoz, Günther Brus, François Burland, Rudolf Stüssi, The Society for Art of Imagination and Victor Safonkin. Artistas que ya han demostrado Wessi, el profesor Ernst Fuchs, Hans Bellmer, Knecht Fred, Diamantopoulos Stelio, Martin Schwarz, Claude Sandoz, Brus Günther, François Burland, Rudolf Stüssi, Sociedad para el Arte de la Imaginación y Safonkin Víctor. During the last 4 years, Giger has been honored with a series of major museum retrospectives. Durante los últimos 4 años, Giger ha sido honrado con una serie de retrospectivas importante museo. In 2004 was the opening of a six-month exhibition at the Museum Halle Saint Pierre in Paris, France, the largest exhibition of the artist's work to ever take place outside of Switzerland. En 2004 fue la apertura de una exhibición de seis meses en el Museo Halle Saint Pierre, en París, Francia, la mayor exposición de los trabajos del artista a celebrarse jamás fuera de Suiza. Over one year in preparation, ninety percent of the artwork was on loan from Giger's collectors, including three Swiss museums. Más de un año en preparación, el noventa por ciento de la obra fue cedida por los coleccionistas de Giger, entre ellos tres museos suizos. The display of more than 200 pieces spanned four decades of the celebrated artist's career, covering two floors of the museum's exhibition space. La pantalla de más de 200 piezas de cuatro décadas de la célebre artista de carrera, que abarca dos pisos de espacio de exhibición del museo. On December 17, 2004, HR Giger received the prestigious award, "La Médaille de la Ville de Paris", at Paris City Hall. El 17 de diciembre de 2004, HR Giger recibió el prestigioso premio "La Medalla de la Ville de Paris", en el Ayuntamiento de París. The Paris retrospective was followed by an exhibition of equal scope in 2005 at the National Technical Museum of Prague, in the Czech Republic and in 2006 by at the Kunsthaus Wien, in Austria. La retrospectiva de París fue seguido por una exposición de alcance de igualdad en 2005 en el Museo Técnico Nacional de Praga, en la República Checa y en 2006 por el Kunsthaus Wien, en Austria. In July, 2007 Giger had his first museum exhibition Switzerland at the Bundner Kunstmuseum, in the city of his birth, Chur. En julio de 2007 Giger tuvo su primer exposición del Museo de Suiza en el Kunstmuseum de los Grisones, en la ciudad de su nacimiento, Chur. He continues to live and work in Zurich with his wife, Carmen Maria Giger, co-director of the Giger Museum. Él sigue viviendo y trabajando en Zurich con su esposa, Carmen María Giger, co-director del Museo Giger.

LUIS ROYO.

Luis Royo nace en 1954 en Olalla, un pueblecito de Teruel. Siendo niño se traslada a Zaragoza, donde cursa estudios de Delineación, Pintura, Decoración e Interiorismo. A partir de 1972 empieza a pintar cuadros que expone en diversos foros. En 1979 inicia su andadura como dibujante de cómic y no tarda en triunfar internacionalmente. Una muestra de estos trabajos, publicados en las principales revistas del momento, aparece recopilada en los álbumes Luis Royo (Rambla, 1985) y Desfase (Ikusager, 1986). En 1983 pasa a la ilustración, donde cosechará sus mayores éxitos. Lo hace de la mano de la agencia y Editorial Norma, que distribuye su obra por todo el mundo. En 1992 aparece su primer libro, Women, al que siguen Malefic (1994), Secrets (1996), III Millennium (1998), Dreams (1999), Prohibited Book (1999), Evolution (2001), Prohibited Book 2 (2001), Conceptions I (2002), Visions (2003), Prohibited Book 3 (2003), Conceptions II (2003). A estos títulos hay que añadir la publicación de seis series de cartas para coleccionistas, cinco portafolios, pósteres y un tarot titulado The Black Tarot. La creciente popularidad de sus imágenes hace que éstas puedan contemplarse también en postales, calendarios, juegos de cartas, camisetas, carátulas de discos, videojuegos, alfombrillas de ordenador e incluso en alguna escultura.Con ésta abundante producción, Royo se convierte en un auténtico fenómeno de masas. Sus libros conocen numerosas ediciones y se vierten al francés, alemán, inglés, italiano, ruso y portugués. Revistas como Stampa, Airbrush-Action ó Penthouse le dedican reportajes en sus páginas. Festivales, galerías de arte o tiendas especializadas organizan continuamente exposiciones y homenajes. Ha recibido entre otros, los premios Silver Award Spectrum (Estados Unidos), CartooMics (Italia) El Peregrino (Rusia).El éxito de Royo no es sino el reconocimiento de una obra original que ha venido a revolucionar el mundo de la ilustración. Especialmente interesado por los temas fantásticos, también ha abordado otros ámbitos como el western, el pasado histórico o las portadas románticas. Pero, más allá de los contenidos, su estilo, inconfundible, respira fuerza y al mismo tiempo irradia una frágil y casi mística transparencia. Su tratamiento de la figura humana, especialmente de las mujeres, dota a los cuerpos de una contundencia que, lejos de resultar pesada, refulge. Su manejo del color, desde las gamas más saturadas hasta los despojados contrastes de grises con algún toque de intenso cromatismo, contribuye a crear ésa aureola de fascinación que invita a entrar en sus paisajes.Pero el estilo de Royo, a pesar de mantenerse fiel a unas constantes, también refleja una clara evolución. Basta con hacer un recorrido cronológico por su obra para comprobar las variantes que han ido refinando su estética y reforzando el tono cada vez más poético de sus composiciones. La aparente sencillez de sus dibujos se sustenta en una compleja y muy estudiada trama de recursos. La permanencia en la primera línea de la ilustración e incluso el incremento de sus éxitos es el resultado de una constante, sutil y muy eficaz experimentación.Royo ha hecho del mito de la Bella y la Bestia uno de sus principales motivos, llevándolo desde el horror hasta el lirismo. En cualquier caso e independientemente del tema abordado, sus personajes se sitúan siempre a medio camino entre lo épico y lo erótico. Sus carnes están atravesadas por el desafío maculadas por la amenaza, y por eso resultan mucho más excitantes. Y es que, como Royo muy bien sabe, el sexo adquiere mayor lascivia cuando a su alrededor flota el fantasma oscuro de la muerte.En la mirada de sus personajes hay un destello que los coloca al borde de la tragedia, como si desde su posición congelada atisbaran un destino tan crel como atractivo. Aferrados a su arma, esperan el próximo ataque. Están tensos y por los músculos les corretea esa fuerza que los hace más bello y dramáticos. Dentro de un momento puede que ya no estén y ahí y hayan desaparecido devorados por el peligro que les acecha. Pero ese futuro inmediato ya no interesa a Royo. Él los retrata en ese penúltimo instante, el más revelador del alma del héroe.

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